UNIDAD 4. MÚSICA Y DANZA EN EL BARROCO


El Barroco es el periodo artístico que comprede el siglo XVII y la primera mitad del S. XVIII. En la música, se tienen en cuenta dos fechas significativas: el año 1607, con la primera ópera ("Orfeo" de Monteverdi) como inicio y la muerte de J. S. Bach (1750) el más importante de los representantes de la música del Barroco como fecha final de la etapa.
El hombre de esta época ya no persigue la expresión ideal la belleza como en el Renacimiento, sino que se siente una persona sensible a la pasión y la fantasía. El arte barroco busca la expresión de los sentimientos, el sentido del movimiento y los constrastes, el gusto por el detalle y la ornamentación.
Es uno de los periodos con más cambios en la música, con el nacimiento de la orquesta y con ella, grandes formas instrumentales (fuga, suite, sonata) y vocales (ópera, oratorio, pasión...). También se establece el uso de la tonalidad y de la armonía, surgiendo los primeros intérprestes virtuosos y los primeros grandes compositores.
La música estará al servicio de las grandes monarquías europeas, y la aristocracia y la Iglesia lo usarán para manifestar su poder.


TEORÍA DE LA UNIDAD

PRESENTACIÓN DE LA UNIDAD

ACTIVIDADES

Actividad 1. Aparecen aquí una serie de preguntas que ayudarán a preparar el tema y por tanto el examen. Las podéis empezar a hacer ya. Se entregan el día del examen (Si hay dudas, preguntáis en clase).




Actividad 2. Comentario de texto. Hay dos textos con preguntas guiadas. Estáis en disposición de hacer ambos, pues son bastante fáciles. Se entregan el día 19 de enero.


Actividad 3. Investigación. (Voluntaria)




GLOSARIO

Bajo continuo, Camerata Fiorentina, aria, Tragédie Lyrique, intermetzzo, mascaradas, zarzuela, cantata, fuga, suite, sonata, zarabanda, J.B. Lully, ballet de Court, tonadilla


AUDICIONES


1. Tu se' morta. "Orfeo". Claudio Monteverdi.

ORFEO
Tu se' morta, mia vita,
ed io respiro?
tu sei, tu se' pur ita per mai
più non tornare, ed io rimango?
No, che se i versi
alcuna cosa ponno,
n' andrò sicuro
a' più profondi abissi
e, intenerito il cor
del Re de l' ombre,
meco trarròtti
a riveder le stelle.
O se ciò negherammi
empio destino,
rimarrò teco
in compagnia di morte,
A Dio terra,
à Dio cielo, e Sole, à Dio.
ORFEO
Tu estás muerta, mi vida,
¿y yo respiro?
¿Me has dejado
para no volver jamás,
y yo sigo aquí?
No, si mis versos tienen
algún poder,
no temeré descender
a los más profundos abismos
y, tras ablandar el corazón
del rey de las sombras,
yo te llevaré
a que vuelvas a ver las estrellas.
Y si un destino cruel me lo niega,
me quedaré contigo
en compañía de la muerte.
Adiós, tierra,
adiós, cielo y sol, adiós.

Es el lamento de Orfeo, que tiene lugar en el Acto II cuando recibe la terrible noticia de la muerte de Eurídice y decide descender a los infiernos para recuperarla. Tras visionar el video, contesta a estaspreguntas:
a. ¿Qué voz interpreta al personaje de Orfeo?
b. ¿Qué instrumentos distingues? ¿Cómo realizan el acompañamiento de la voz?
c. En esta aria, la música persigue reflejar y reforzar las emociones del texto: señala las partes donde la equivalencia de palabra y música sea más relevante.




2. When I am laid in earth. Dido y Eneas. Henry Purcel





Aria de la ópera Dido y Eneas, considerada la primera ópera inglesa. Es un canto de lamento, de despedida antes de morir a causa del abandono de Eneas.
Fue estrenada en un internado para señoritas de Londres e interpretada por las propias alumnas en 1689, cuando la ópera italiana ya disfrutaba de todo su esplendor.
Su libreto está basado en la Eneida de Virgilio (IV libro), que relata la llegada de Eneas a Cartago tras la derrota de Troya y su malograda historia de amor con la hermosa Dido, reina de Cartago.
Este aria iene lugar al final de la ópera, en al Acto III y es sin duda una de las piezas más conmovedora de la historia de la música. Su melodía está compuesta sobre un bajo ostinato de cinco compases que responde a un diseño cromático descendente y que refuerza el carácter del lamento.

Contesta:
a. ¿Qué voz interpreta al personaje de Dido? ¿Cómo se realiza el acompañamiento?
b. ¿En qué tonalidad está escrita? Analiza las distintas frases musicales y las cadencias.


3. Ich will hier bei dir stehen. La Pasión según San Mateo. Johann Sebastian Bach.

Escucha la melodía y contesta:




a. Identifica la correspondencia de frases musicales y versos indicando la forma musical.

b. Analiza la textura explicando el desarrollo de las distintas voces y las cadencias

c. Explica también la tímbrica señalando las voces que interpretan el coral y los instrumentos de la orquesta que realizan el acompañamiento.


Este coral aparece varias veces en la obra con distinta tonalidad y la melodía pertenece a un compositor alemán, Hans Leo Hassler (1564-1612)
Estrenada en Leipzig en 1729, La Pasión según San Mateo representa la obra cumbre de la música luterana. Estructurada en dos partes y escrita para orquesta (flautas, oboes, violines, violas, viola da gamba, órgano y continuo), solistas (soprano, contralto, tenor y bajo) y doble coro (de niños y adultos), recote todos los formatos vocales e instrumentales de la época.


4. Aleluya. El Mesias. Georg Friedrich Haendel.



Un poco de historia
El coro Aleluya es una de las obras más conocidas de Haendel. Pertenece a su oratorio El Mesías. Un oratorio es una sucesión obra formada por una sucesión de arias, coros y recitativos escrita para cantantes solistas, coro y orquesta. Es un drama musical basado en un tema religioso, pero no tiene representación escénica, por lo que un solista suele aparecer en el papel de narrador.
El oratorio El Mesías lo compuso en el verano de 1741, en tiempo récord: unas tres semanas. Se estrenó en el New Music Hall de Dublín el 13 de abril de 1742, generando cierta polémica por tratarse de una obra religiosa e interpretarse en un teatro. A partir de 1750 fue muy admirada, y se representa, desde entonces, año tras año. Haendel utilizó un libreto de Charles Jennenes para su composición, que toma textos del Antiguo Testamento y del Apocalipsis.
Está escrito para un cuarteto de solistas (soprano, contralto, tenor y bajo, aunque en algunas ocasiones la voz de contralto es sustituida por un contratenor), coro y orquesta, con sección de cuerdas frotadas con bajo continuo, timbales e instrumentos de viento. Haendel escribió a lo largo de su vida diferentes versiones de El Mesías que se diferencian, sobre todo, en la instrumentación de viento y en la selección de movimientos, quedando algunas versiones más reducidas.
El Mesías está dividido en tres partes:
◦La primera tiene por tema el Adviento, apareciendo recitativos basados en el texto de la Anunciación, coros que intentan reflejar el sentimiento del pueblo y arias. Los textos están basados en el Libro de Isaías. El oratorio empieza con una obertura francesa (sección lenta con ritmo apuntillado y sección rápida con estilo contrapuntístico).
◦La segunda parte está basada en la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo y termina precisamente con el coro Aleluya.
◦La tercera parte muestra la victoria de Cristo ante la muerte y hace mención al Juicio final.
Al comentar Haendel la composición de este coro dijo que: "He creído ver el Paraíso frente a mí y al gran Dios sentado en su trono con su compañía de Ángeles". Musicalmente, está escrito para coro y orquesta, en la que se distingue, entre todas las versiones, siempre la sección de cuerda con bajo continuo y trompetas, cuyo sonido da imagen de realeza y fortaleza. Está en Re mayor y el tempo es allegro. La relación del texto y la música es significativa: la primera estrofa aparece primero en homofonía, lo que produce claridad y rotundidad al texto, mientras que el texto "He shall reign for ever and ever" aparece en contrapunto imitativo, para simbolizar una duración infinita, que nunca acaba.
El texto "King of Kings, and Lord of Lords" está repetido, cada vez más agudo, en homofonía en las dos voces femeninas del coro, mientras que las masculinas acompañan con "for ever and ever". Se distingue claramente una célula asociada en el coro al texto "Hallelujah", que aparece constantemente en todo el movimiento y que es lo que todos recordamos de él. Hay un claro simbolismo de lo terrenal y lo humano en el descenso melódico, en homofonía, con el texto "The Kingdom of this world" (El reino de este mundo), que provoca contraste con "the Kingdom of our Lord" (el Reino del Señor), que evoca de nuevo la Gloria.

Y para el que tenga tiempo...


5. Canon y Giga en Re Mayor para tres violines y bajo continuo. Johann Pachelbel.




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Al inicio, el bajo solo toca dos compases, que, de acuerdo a la técnica del bajo continuo se interpreta con el acorde. Al principio, el primer violín ejecuta la primera variación (azul). Al llegar al final, comienza la segunda variación, mientras que el segundo violín arranca con la primera variación. Al final de la segunda variación (verde), el primer violín comienza la tercera variación, el segundo la segunda, el tercero la primera, y se sigue esa pauta. A mitad de la obra las variaciones se vuelve más complejas. Se corresponde a un canon cerrado seguido de otra pieza musical con variaciones (giga) y con la presencia armónica de un ostinato que se repite en toda la obra (los dos primeros compases del bajo).
Y que le pregunten a Rob Paravonian sobre el bajo de Pachelbel....


6. Allegro del Concierto de Brandemburgo Nº 2. Johann Sebastian Bach

Es un ejemplo de concerto grosso en el que contrastan dos grupos instrumentales: el concertino, formado por un pequeño grupo de solistas que también dialogan y contrastan entre sí, y el tutti o ripieno (lleno), formado por toda la orquesta.





Como corresponde al primer movimiento de un concierto, es un tempo rápido que lleva la indicación de Allegro y consiste en la alternancia de un tema principal interpretado por la orquesta (ritornello) con distintos episodios solistas.
El ritornello, que hace de estribillo, es una frase musical de ocho compases formada por cuaro células melódicas de dos compases cada una.
El concertino está compuesto por cuatro instrumentos solistas: trompeta, flauta, oboe y violín.
El tutti está compuesto por los instrumentos más característicos de la orquesta barroca: violines I y II, violas, ciolonchelos y bajo continuo (realizado por el clave).

7. Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi (1678-1741)

Son un grupo de cuatro conciertos a solo de carácter descriptivo que fueron compuestos para sus alumnas del Hospital de la Piedad y publicados en 1725 dentro de la obra titulada Il cimento dell'armonia e dell'inventione.
El instrumento solista es el violín y la orquesta está formada por la sección completa de cuerda: violines I y II, violas violonchelos y contrabajos.
Basándose en unos sonetos anónimos que contenían abundantes descripciones onomatopéyicas de la naturaleza, Vivaldi refleja musicalmente las estaciones del año empleando los instrumentos de cuerda para imitar el canto de los pájaros, el sonido del viento, la tormenta, etc., y para describir diferentes ambientes.

Fíjate bien en cada ejemplo y explica los distintos recursos musicales que utiliza Vivaldi para describir las figuras y situaciones que aparecen en el texto:

Concierto Nº 1. "La primavera". Primer movimiento: Alegro.



Corcierto Nº 2. "El verano". Segundo movimiento: Adagio


Concierto Nº 3. "El otoño". Tercer movimiento; Allegro


Concierto Nº 4. "El invierno". Primer movimiento: Allegro non molto




8. Zarabanda. Suite en Re menor. Georg Friedrich Haendel



En su origen español, la zarabanda era una danza de carácter sensual que llegó a estar prohibida (aunque nunca se dejó de bailar). En el S. XVI llega a la corte francesa y el en S. XVIII formará parte de la suite y se convertirá en una danza solemne y elegante.

UN POCO DE CINE

Si hay algo que el cine consigue es transportarnos a épocas pasadas y países lejanos. Hay muchas películas que tienen la música como tema principal y de entre esa variedad, creo que "Le roi danse" (2000), puede serviros de ejemplo. Esta película belga narra la relación (laboral, amistad...) que mantuvieron Luis XIV y el compositor más destacado de su corte, Jean Batiste Lully y el propio Moliere. Suntuosos decorados, bailes y como no, música del propio autor, hacen de esta obra dramática y exquisita un gran ejemplo de la originalidad artística de la época, al tiempo que mide la importancia de la relación entre el poder y el arte, y peso político y cultural que "el rey Sol" tuvo en Francia y resto de Europa.